Anthony Arrobo, Gabriela Chérrez, Gabriela Fabre y Daniel Chonillo -artistas ecuatorianos- inauguraron este jueves 13 de enero en Casa de Barrio, su nueva muestra artística «The meaningful meaningless».
Blue in Green
Texto curatorial por Eliana Hidalgo
El 1 de abril del 2020, pocas semanas después de empezar el confinamiento, Anthony Arrobo (Guayaquil, 1988) decide pintar disciplinadamente una pequeña acuarela por día, sin tener en mente nada concreto sobre el eventual destino de este conjunto.
Al igual que los Date Paintings de On Kawara, el artista trabaja y fecha cada obra en su cuaderno durante el lapso de un día. Este ejercicio reiterativo, donde la disciplina cotidiana modula el sentido de la producción, tiene múltiples antecedentes también en el arte local, desde Un arte a diario (2002-2003) de Marcelo Aguirre hasta la serie Llueve afuera (2018) de Pablo Cardoso.
En Blue in Green, su lenguaje minimalista y abstracto destaca por su simpleza. Arrobo crea todo un mundo poético concentrado en la exploración del color, nada extraño considerando que su trabajo siempre ha mostrado interés por los aspectos formales de la pintura y la escultura. Desde sus obras tempranas, el artista manifiesta un afán de jugar con los materiales tradicionales utilizados a lo largo de la Historia del Arte, como en su obra Layers 2 (2010), una gran resma de papeles tamaño A1 en los que solo pinta los bordes con cuidado y precisión para lograr la gama del arcoíris, ignorando en este gesto el rol tradicional del papel como soporte. Diez años más tarde, nos volvemos a encontrar con una propuesta que a primera vista parece un conjunto de simples ejercicios cromáticos, pero descubrimos ahora una nueva faceta más espontánea y azarosa, alejada de ese perfeccionismo que marcó sus primeros trabajos.
Como ocurre en el jazz, el artista fluye por medio de su experimentación e improvisación para crear las acuarelas que llenan la galería. Por eso el título Blue in Green, tomado de una canción de Miles Davis, no es casual y, más que una relación con el color, es esa continua e incansable búsqueda exploratoria con la acuarela. Su proceso consistía en aproximarse a la cartulina “sin tener una noción clara de lo que iba a pintar… Dibujar, trazar medidas y jugar con el color eran las únicas premisas”, comenta Arrobo. Dentro de este mar de color nos encontramos con Abril, una obra pintada con negro que surge como una necesidad de dejarse llevar “por una composición más cercana al concretismo brasileño para indicar grandes silencios en el diario”.
Durante el período en que se comenzó a organizar la exposición, surgieron los trabajos a gran escala, como Red and Blue Center o Blue in Green, donde la motivación fue llevar aquellas gradaciones cromáticas de los meses anteriores a otro nivel de experimentación y visualidad, y donde el color “se emancipara”. Estas abstracciones no remiten a nada más que a los efectos del pigmento. Como decía Frank Stella, “lo que ves es lo que es”.
En este proceso y disciplina diaria desarrollada por el artista hace más de un año, el color ha adquirido simbólicamente las cualidades del tiempo transformando estas paredes en una bitácora de su experiencia durante el confinamiento. Estos campos cromáticos son el reflejo de un momento específico, uno en el cual el artista se encontró presente.
No image is available
No image is available
Mi estado natural de creación es un proceso rápido, muy intenso, donde destilo las ideas en un objeto o una experiencia. Por lo general, las ideas nacen como una sensación muy fuerte, sin dimensionalidad, pero al momento de esta partida ellas cobran vida propia. Finalmente al contemplar esta exposición, puedo ver mi obra con cierta distancia, y comenzar un diálogo conmigo mismo.
Llevo pensando en hacer un performance en una cueva, decir una frase que sólo exista para mi, como el árbol que cae en medio de la nada y que nadie lo escucha. Hay dos piezas en esta exhibición que juegan con esa idea: una frase pintada en un lienzo blanco -que sólo puede ser percibida cuando la oscuridad invade el espacio-; y un elemento que ha sido desaparecido en el muro, como si estuviera tímido hacia el espectador. A veces mis obras son difíciles de leer, invisibles, y lo que quieren es un acercamiento profundo y desafiante que permita ver la magia que lleva cada una.
En mi practica tengo un apego a trabajar con elementos “propios” del cubo blanco, y pensando en esto un dia me fije en un muro de la galería: me interesó develar su vida. Así como el espacio arquitectónico nos define y modifica nuestros modos de hacer y pensar, ellos tienen una memoria no visible que sedujo mi curiosidad y me hizo querer descubrirla. He construido un ventanal que permite ver la temporalidad del espacio y poder adentrarme en su historia. Ustedes se quedaran con la memoria de ver por este umbral, pero aquí también permanecerá mi huella en cada nueva grieta y en cada nuevo agujero recubierto por yeso: mi memoria estará bajo la piel de estos muros.
Reflexione también sobre mi temporalidad poniéndome como objeto de estudio: quería hacer visible los días que mi vida ha marcado y sigue marcando. Inicié un mural que estará en permanente construcción e iré marcando cada día, como si se tratase de crear un firmamento que sólo terminará el último día de mi vida. En esta lucha de representar mi tiempo en esta exposición, sé que perderé esta batalla al cerrarla, pero es un objetivo que retomaré en el siguiente espacio donde sea exhibida.
El tiempo también se puede marcar por las personas que conoces, y dos personas que no están aquí para mi están presentes; al menos el espacio que marcaría su presencia. Estas dos personas que aunque no se conocen, yo las imaginaba sin sus capas culturales, compartiendo una misma escala de valor, encontrandose.
No image is available se sintetiza en un objeto transparente, que como cosas que son invisibles siempre vamos a notar su presencia por las sombras que manifiestan; así como lo intangible va dejando huella… “lo esencial es invisible a los ojos”[1].
Anthony Arrobo
Barcelona, 11 de junio de 2014
[1] Antoine de Saint –Exupéry, “El principito”, en Salamandra (Publicaciones y Ediciones Salamandra, S.A.), 2009.
Narciso
Narciso
Globos llenos de helio y aire regular
Instalación
2013
9na Bienal de Mercosur
1988, Guayaquil, Ecuador
Lives in Guayaquil
Perfect crime, 2013
Submerged stone in Guaíba and reproduction of the stone in resin
Anthony Arrobo usually creates artworks using tradicional art materials, such as paint and graphite, as well as inusual although natural matter associated to art, such as human tears. However, the artist treats these materials unconventionally, involving artistic procederes that at once test and expose their natural composition. For instance, a sphere made of condensed pulverized graphite is presented as a universe; a glass of his collected tears as a world.
In Arrobo’s sculptures, everything is nature at the same time that everything is culture. These indistinguishable lines between the real and imagined could be a way to investigate cultural manifestations of the natural world –and, as such, of what is perceived and believed to influence our interaction with our environment.
For the 9th Bienal, the artist creates a work in two parts. Here, one part is displayed: a sculpture in the form of a rock. The second part is the rock that this sculpture is cast from, located underwater in the Guaíba. The visibility of this artwork thus interdependent to its invisible source. Probably, the very belief of this source may involve symbolically turning this sculpture into a original rather than considering its a replica –approaching it like a soul, instead of a double.
Curated by Sofía Hernández Chong Cuy
Blue forest
Blue Forest
Papelitos de color con un haiku lanzados por cañón de confeti
Acción
2013
A History of The Light
A History of The Light
Instalación
Spot de teatro y superficie integra de minas de grafito
3 metros de diámetro
2012 – 2013
A History of the Light es una instalación que consiste en un gran circulo de luz que emana de un spot de teatro que se introduce en la pared 10 centímetros y deja ver un gran plano circular, el cual está elaborado íntegramente con minas de grafito 0.7 mm de los lápices mecánicos.
El proyecto es una metáfora que parte de una línea de mi trabajo donde analizo nuevas formas de abordaje de elementos “propios” del mundo del arte, de los materiales, los medios y sus convenciones. En esta nueva pieza, una de las intenciones es generar una imagen dialéctica entre gesto (la superficie integra de minas) y su iluminación, la luz y la oscuridad.
Me interesa generar un espacio de iluminación exacto donde al mismo tiempo hay “mucho” y “poco” que mostrar. Es una pieza que piensa la dialéctica del trabajo: la distancia entre un gran gesto laborioso en términos técnicos pero frágil y lleno de delicadeza. Un número cuantioso de minas hacen esta gran superficie plana y circular que piensa esa relación muy particular que tiene la luz y su sombra, y que, a su vez, está muy relacionada con las metáforas y dinámicas propias del mundo del dibujo.
Finalmente, la idea de la obra es generar una nueva experiencia de los materiales utilizados, un punto grande, como una reflexión propia del dibujo, que al ser magnificado crea en el espacio de exhibición un paisaje muy semejante a una luna llena, una ficción muy bella con puro dibujo.
Links:
http://www.riorevuelto.net/2013/07/mariano-aguilera-proyectos-2013.html
http://www.premiomarianoaguilera.gob.ec/anthony-arrobo-guayaquil-ecuador-1988/
http://www.telegrafo.com.ec/cultura1/item/el-nuevo-mariano-expone-su-primera-cosecha-de-proyectos.html
http://www.elcomercio.com/cultura/exposicion-NuevoMarianoHospitalMilitar_0_917908213.html
http://www.noticiasquito.gob.ec/Noticias/news_user_view/los_ganadores_del_mariano_aguilera_2012–7345
What you had and What you lost
ANTHONY ARROBO
WHAT YOU HAD AND WHAT YOU LOST
22 MAR 2013 – 11 MAI 2013
What you had and what you lost is an exhibition by Anthony Arrobo (1988, EC) exhibiting for the first time in Portugal. To date the works are characterized by the material and the presence of the object, questioning the interpretations and preconceived ideas of art making by reinterpreting various materials within the context of art history.
These works do not reveal their intentions immediately, on first gaze we are presented with formal minimalist works, monochromes and a gesture. Presented in various forms and using various materials the links of the pieces are not apparent, as a momentary pause is required for further consideration. As the artist points out that “I like to think that the expressive resources remain in limbo looking for new symbolic meanings.”
The material of the works are the focal point as he liberates them from the constraints of their functioning application – paint and graphite are not only the base and structure however the work itself, Pencil leads are used to create “drawings” which in turn embodied themselves, as is the case with the “Cascades” where the paint forms both the foundation and the structure, in their «pure» state. Thus giving autonomy to the work which emerges from its traditional supports and making the materials the «protagonist». Here Arrobo reinterprets the defining characteristics of the medium historically, conceptually within the compositions.
There is a quiet obsessiveness with the application of the materials within intermittent pauses between the works, 100s of pencil leads meticulously aligned, a shadow, litres of dried paint and a gestural arch, subtle in the suggestion of multiple versus singular and the constancy being the simplicity in their compositions.
In addition to the structure of the works their titles act as a segue from the importance of the materiality of the object – In Fuegos artificiales (fireworks) we are presented with a reduced version of both the projectory of fireworks and the intensity of the light. In dually Radio (Radius) and Altura (height) we are reminded of the artists’ presence and physicality, restrospectively we are privy to his arm radius literally and physically in this gesture by using a baton of graphite, and to the latter, to the artists physical height. The works are not intentionally self portraits; however again question the traditions of art making, this relates also to the artists interest in perceptual deception, Horizontal invisible plays with the concept as a faint line appears on the width of the gallery wall, upon closer inspection it becomes clear it is a shadow caused by a nylon thread painted in white.
This breakaway and fragmentation of tradition in art making is essential to decipher Arrobos´ interests, by reassigning the importance of materials and reevaluates their expressive value. While we Float between the languages of drawing and sculpture, oscillating between solid and fragile states. What you had and what you lost asks us to ponder “the idea of belonging”¹ to think about the notion “of something that is grasped in time and space, and then see how it loses its meaning”²
Arrobo studied Visual Arts at the ITAE, Guayaquil. Solo exhibitions include: Gravity, 2012 and Liliput, 2011 at NoMinimo, Guayaquil and Do Not Touch, 2010 at DPM, Guayaquil. Group exhibitions include Espacio OTR and Matadero 2012, Madrid, and The Center on Contemporary Art (COCA), Seattle, USA, 2011. Arrobo will be participating the upcoming Biennial of Mercosur. Collections include The Patricia Phelps de Cisneros Collection, the Municipal Museum of Guayaquil and several private collections.
¹,²; Anthony Arrobo; except from exhibition statement 13 March 2013
Parceria In collaboration: NoMinimo – Espacio Cultural, Guayaquil, EC
Anthony Arrobo 