Sacatar Foundation

Estudio Anthony Arrobo

My studio at Itaparica Island, Brazil.
August-September 2014
http://www.sacatar.org/

 

Perfec Lovers - Anthony Arrobo

Perfect lovers
Copas de cristal y concreto
2014

No image is available

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No image is available
Mi estado natural de creación es un proceso rápido, muy intenso, donde destilo las ideas en un objeto o una experiencia. Por lo general, las ideas nacen como una sensación muy fuerte, sin dimensionalidad, pero al momento de esta partida ellas cobran vida propia. Finalmente al contemplar esta exposición, puedo ver mi obra con cierta distancia, y comenzar un diálogo conmigo mismo.
Llevo pensando en hacer un performance en una cueva, decir una frase que sólo exista para mi, como el árbol que cae en medio de la nada y que nadie lo escucha. Hay dos piezas en esta exhibición que juegan con esa idea: una frase pintada en un lienzo blanco -que sólo puede ser percibida cuando la oscuridad invade el espacio-; y un elemento que ha sido desaparecido en el muro, como si estuviera tímido hacia el espectador. A veces mis obras son difíciles de leer, invisibles, y lo que quieren es un acercamiento profundo y desafiante que permita ver la magia que lleva cada una.
En mi practica tengo un apego a trabajar con elementos “propios” del cubo blanco, y pensando en esto un dia me fije en un muro de la galería: me interesó develar su vida. Así como el espacio arquitectónico nos define y modifica nuestros modos de hacer y pensar, ellos tienen una memoria no visible que sedujo mi curiosidad y me hizo querer descubrirla. He construido un ventanal que permite ver la temporalidad del espacio y poder adentrarme en su historia. Ustedes se quedaran con la memoria de ver por este umbral, pero aquí también permanecerá mi huella en cada nueva grieta y en cada nuevo agujero recubierto por yeso: mi memoria estará bajo la piel de estos muros.
Reflexione también sobre mi temporalidad poniéndome como objeto de estudio: quería hacer visible los días que mi vida ha marcado y sigue marcando. Inicié un mural que estará en permanente construcción e iré marcando cada día, como si se tratase de crear un firmamento que sólo terminará el último día de mi vida. En esta lucha de representar mi tiempo en esta exposición, sé que perderé esta batalla al cerrarla, pero es un objetivo que retomaré en el siguiente espacio donde sea exhibida.
El tiempo también se puede marcar por las personas que conoces, y dos personas que no están aquí para mi están presentes; al menos el espacio que marcaría su presencia. Estas dos personas que aunque no se conocen, yo las imaginaba sin sus capas culturales, compartiendo una misma escala de valor, encontrandose.
No image is available se sintetiza en un objeto transparente, que como cosas que son invisibles siempre vamos a notar su presencia por las sombras que manifiestan; así como lo intangible va dejando huella… “lo esencial es invisible a los ojos”[1].
Anthony Arrobo
Barcelona, 11 de junio de 2014
[1] Antoine de Saint –Exupéry, “El principito”, en Salamandra (Publicaciones y Ediciones Salamandra, S.A.), 2009.

Narciso

Narciso - Anthony Arrobo

Narciso
Globos llenos de helio y aire regular
Instalación
2013

9na Bienal de Mercosur

Bienal de Mercosur - Anthony Arrobo

Crimen Perfecto - Anthony Arrobo

1988, Guayaquil, Ecuador
Lives in Guayaquil
Perfect crime, 2013
Submerged stone in Guaíba and reproduction of the stone in resin
Anthony Arrobo usually creates artworks using tradicional art materials, such as paint and graphite, as well as inusual although natural matter associated to art, such as human tears. However, the artist treats these materials unconventionally, involving artistic procederes that at once test and expose their natural composition. For instance, a sphere made of condensed pulverized graphite is presented as a universe; a glass of his collected tears as a world.
In Arrobo’s sculptures, everything is nature at the same time that everything is culture. These indistinguishable lines between the real and imagined could be a way to investigate cultural manifestations of the natural world –and, as such, of what is perceived and believed to influence our interaction with our environment.
For the 9th Bienal, the artist creates a work in two parts. Here, one part is displayed: a sculpture in the form of a rock. The second part is the rock that this sculpture is cast from, located underwater in the Guaíba. The visibility of this artwork thus interdependent to its invisible source. Probably, the very belief of this source may involve symbolically turning this sculpture into a original rather than considering its a replica –approaching it like a soul, instead of a double.
Curated by Sofía Hernández Chong Cuy

Blue forest

Accion Blue Forest - Anthony Arrobo

Blue forest - Anthony Arrobo

Blue Forest (cerca)- Anthony Arrobo

Blue Forest
Papelitos de color con un haiku lanzados por cañón de confeti
Acción
2013

A History of The Light

A History of The Light - Anthony Arrobo A History of The Light - Detalle A History of The Light Proyecto de Anthony Arrobo A History of The Light + Anthony Arrobo

A History of The Light
Instalación
Spot de teatro y superficie integra de minas de grafito
3 metros de diámetro
2012 – 2013
A History of the Light es una instalación que consiste en un gran circulo de luz que emana de un spot de teatro que se introduce en la pared 10 centímetros y deja ver un gran plano circular, el cual está elaborado íntegramente con minas de grafito 0.7 mm de los lápices mecánicos.
El proyecto es una metáfora que parte de una línea de mi trabajo donde analizo nuevas formas de abordaje de elementos “propios” del mundo del arte, de los materiales, los medios y sus convenciones. En esta nueva pieza, una de las intenciones es generar una imagen dialéctica entre gesto (la superficie integra de minas) y su iluminación, la luz y la oscuridad.
Me interesa generar un espacio de iluminación exacto donde al mismo tiempo hay “mucho” y “poco” que mostrar. Es una pieza que piensa la dialéctica del trabajo: la distancia entre un gran gesto laborioso en términos técnicos pero frágil y lleno de delicadeza. Un número cuantioso de minas hacen esta gran superficie plana y circular que piensa esa relación muy particular que tiene la luz y su sombra,  y que, a su vez, está muy relacionada con las metáforas y dinámicas propias del mundo del dibujo.
Finalmente, la idea de la obra es generar una nueva experiencia de los materiales utilizados, un punto grande, como una reflexión propia del dibujo, que al ser magnificado crea en el espacio de exhibición un paisaje muy semejante a una luna llena, una ficción muy bella con puro dibujo.
Links:
http://www.riorevuelto.net/2013/07/mariano-aguilera-proyectos-2013.html
http://www.premiomarianoaguilera.gob.ec/anthony-arrobo-guayaquil-ecuador-1988/
http://www.telegrafo.com.ec/cultura1/item/el-nuevo-mariano-expone-su-primera-cosecha-de-proyectos.html
http://www.elcomercio.com/cultura/exposicion-NuevoMarianoHospitalMilitar_0_917908213.html
http://www.noticiasquito.gob.ec/Noticias/news_user_view/los_ganadores_del_mariano_aguilera_2012–7345

What you had and What you lost

What you had and What you lost - Anthony Arrobo (vista general4) Horizonte invisible - Anthony Arrobo What you had and What you lost - Anthony Arrobo (vista general3) What you had and What you lost - Anthony Arrobo (vista general2)Altura - Anthony Arrobo What you had and What you lost - Anthony Arrobo

ANTHONY ARROBO
WHAT YOU HAD AND WHAT YOU LOST
22 MAR 2013 – 11 MAI 2013
What you had and what you lost is an exhibition by Anthony Arrobo (1988, EC) exhibiting for the first time in Portugal.  To date the works are characterized by the material and the presence of the object, questioning the interpretations and preconceived ideas of art making by reinterpreting various materials within the context of art history.
These works do not reveal their intentions immediately, on first gaze we are presented with formal minimalist works, monochromes and a gesture. Presented in various forms and using various materials the links of the pieces are not apparent, as a momentary pause is required for further consideration. As the artist points out that “I like to think that the expressive resources remain in limbo looking for new symbolic meanings.”
The material of the works are the focal point as he liberates them from the constraints of their functioning application – paint and graphite are not only the base and structure however the work itself, Pencil leads are used to create “drawings” which in turn embodied themselves, as is the case with the “Cascades” where the paint forms both the foundation and the structure, in their «pure» state. Thus giving autonomy to the work which emerges from its traditional supports and making the materials the «protagonist». Here Arrobo reinterprets the defining characteristics of the medium historically, conceptually within the compositions.
There is a quiet obsessiveness with the application of the materials within intermittent pauses between the works, 100s of pencil leads meticulously aligned, a shadow, litres of dried paint and a gestural arch, subtle in the suggestion of multiple versus singular and the constancy being the simplicity in their compositions.
In addition to the structure of the works their titles act as a segue from the importance of the materiality of the object – In Fuegos artificiales (fireworks) we are presented with a reduced version of both the projectory of fireworks and the intensity of the light. In dually Radio (Radius) and Altura (height) we are reminded of the artists’ presence and physicality, restrospectively we are privy to his arm radius literally and physically in this gesture by using a baton of graphite, and to the latter, to the artists physical height. The works are not intentionally self portraits; however again question the traditions of art making, this relates also to the artists interest in perceptual deception, Horizontal invisible plays with the concept as a faint line appears on the width of the gallery wall, upon closer inspection it becomes clear it is a shadow caused by a nylon thread painted in white.
This breakaway and fragmentation of tradition in art making is essential to decipher Arrobos´ interests, by reassigning the importance of materials and reevaluates their expressive value. While we Float between the languages of drawing and sculpture, oscillating between solid and fragile states. What you had and what you lost asks us to ponder “the idea of belonging”¹ to think about the notion “of something that is grasped in time and space, and then see how it loses its meaning”²
Arrobo studied Visual Arts at the ITAE, Guayaquil. Solo exhibitions include: Gravity, 2012 and Liliput, 2011 at NoMinimo, Guayaquil and Do Not Touch, 2010 at DPM, Guayaquil. Group exhibitions include Espacio OTR and Matadero 2012, Madrid, and The Center on Contemporary Art (COCA), Seattle, USA, 2011. Arrobo will be participating the upcoming Biennial of Mercosur. Collections include The Patricia Phelps de Cisneros Collection, the Municipal Museum of Guayaquil and several private collections.
¹,²; Anthony Arrobo; except from exhibition statement 13 March 2013

Parceria In collaboration: NoMinimo – Espacio Cultural, Guayaquil, EC

Tomar medidas

Anthony Arrobo en OTRAnthony Arrobo at OTRTomar medidasTomar medidas. Espacio OTR.  c/ San Eugenio 10, 28012 Madrid
http://espaciodearteotr.com/

Ghosts

Texto por Eduardo Albert Santos
Liberar la pintura de su posible soporte, hacerla “autónoma”, otorgarle carácter de medio en sí misma… tal es la estrategia seguida por Anthony Arrobo en sus White fabrics. La extensa y densa y polémica historia de la pintura, su célebre y debatida eficacia para obtener el engañoso trompe l’oiel, su inveterado prestigio como material privilegiado en la historia del arte se ven sometidas a una fenomenológica epoché, una suerte de “desconexión”, de puesta entre paréntesis, justo para despojarla de su apariencia fenoménica, de su seductor “engaño” y mostrarnos su esencialidad.
En la muestra, las pinturas “prístinas”, inmaculadas, que parecen vagar o levitar por el espacio galerístico, subrayan ese efecto visual de indudable eficacia que ya se probó por el autor en varias presentaciones anteriores: una sensación de complejo compromiso entre la aparente estaticidad de dichas pinturas y su andadura libre por el espacio, sin ataduras que las asocien a superficies legitimadas. En inteligente solución, Anthony las llama Ghosts, apelando a su deliberada “vida” onírica o quizás, escatológica. Entre tanto, titula su muestra “Gravity”, como si se propusiese enfatizar esa fuerza que las hace al mismo tiempo atraídas en su fragilidad real y su aparente levedad.
El joven artista, que ya ha probado su capacidad de ingeniar piezas de indudable reconocimiento local e internacional, nos seduce con estas obras que de cierto modo nos hacen recordar esos juegos visuales que articuló Robert Morris con sus maleables fieltros. Entonces, desde una estética minimalista más versátil, dichos materiales y su modo de empleo apelaron a variados escapes simbólicos, que lo apartaron de una cierta ortodoxia limitadora. Anthony asume de igual manera la apuesta de Morris, pero en su caso se trata de algo probablemente de mayor alcance: el creador cuestiona el propio sentido que la tradición concedió al material y, por esa vía, asume una reevaluación crítica de su valor tanto en el plano expresivo como en el de contenido. Esto se constata en el procedimiento seguido al verter la pintura sobre una superficie para luego asumirla como capa sólida que se “desprende” de aquella y cobra vida propia, en su estado “puro”. Algo que se ve enfatizado por la selección pertinente del color. La pintura, en inusual tridimensionalidad, despliega aquí su protagonismo pleno al evadir sus roles ancestrales, en calidad de forma en y de sí misma.